Niederländische und flämische Vanitas-Gemälde: Ein Thema für das Goldene Zeitalter des Nordens

Jan 30, 2024

Im 17. Jahrhundert standen niederländische und flämische Künstler im Mittelpunkt der künstlerischen Innovation in Europa. Große Künstlernamen wie Rembrandt und Vermeer schufen in dieser Zeit ihre Meisterwerke. Allerdings wurde ein anderes Thema weiter populär gemacht und war bereit, sich in ganz Europa zu verbreiten. Die niederländische Vanitas und die flämische Vanitas spielten eine entscheidende Rolle für das wachsende Interesse an dieser Art von Malerei. Durch das beliebte Genre des Stilllebens erfand sich das sonst archaische Vanitas-Thema neu und erreichte neue künstlerische Höhen. In diesem Artikel werden die Schlüsselmomente untersucht, die die Verbreitung dieses gefeierten Genres beeinflussten und dazu beitrugen, das schnell von Künstlern in ganz Europa übernommen wurde.

In der niederländischen und flämischen Kunst finden sich Vanitasbilder vor allem in Kompositionen, die zum Genre der Stilllebenmalerei gehören. Der Grund dafür ist nicht ganz klar, aber mehrere Theorien deuten darauf hin, dass es mit den Auswirkungen der protestantischen Reformation auf die Region zusammenhängt. Während der nördliche niederländische Teil von der katholischen spanischen Herrschaft unabhängig wurde und die Reformation annahm, blieb der südflämische Teil unter katholischer Herrschaft. Dies führte zu folgendem Phänomen: Eine beträchtliche Anzahl Flamen zogen in den Norden und ließen sich dort nieder. Unter den Flüchtlingen waren auch mehrere Künstler. Haarlem ist beispielsweise dafür bekannt, dass es in dieser Zeit die Heimat zahlreicher flämischer Künstler war, die aus dem Süden flohen.

Die Kommunikation zwischen den beiden Provinzen wurde jedoch nach der Spaltung fortgesetzt. Obwohl das flämische Gebiet unter spanischer Herrschaft stand, blieb es mit dem reformierten Norden in Kontakt, und Künstler profitierten oft von diesem Informations- und Einflussaustausch durch den Handel. In diesem Klima entwickelten sich die Vanitas-Gemälde als flämische Vanitas und niederländische Vanitas. Aber wie ähnlich und unterschiedlich sind die beiden wirklich? In den folgenden Abschnitten werfen wir einen kurzen Blick auf die beiden Stile, um zu verstehen, was niederländische und flämische Kunst voneinander unterscheidet und zusammenbringt.

Bei der Erörterung niederländischer und flämischer Kunst im Allgemeinen sind aufgrund der Gönner und Käufer, die Gemälde gekauft haben, zwei Dinge zu berücksichtigen: politische und religiöse Faktoren. Sie diktierten zwangsläufig bis zu einem gewissen Grad den Markt entsprechend ihrem Geschmack und ihren Interessen. Nach der Gründung der niederländischen Republik und der offiziellen Einführung der Reformation beispielsweise gerieten künstlerische Themen und Themen im Zusammenhang mit katholischem Mäzenatentum schnell in Vergessenheit.

Aus diesem Grund sind beispielsweise im traditionellen Stil des Barock dargestellte religiöse Motive praktisch nicht vorhanden. Die Darstellungen von Gott, Heiligen und Engeln entsprachen nicht den Idealen der Reformation. Schließlich verurteilte Luther die Opulenz und den üppigen Schmuck katholischer Kirchen. Kunst war ein fester Bestandteil dieser Dekoration und des katholischen Repräsentationskults. Andererseits bedeutet dies nicht, dass die Kunst vollständig aus der niederländischen Republik verschwunden wäre. Im Gegenteil: Das 17. Jahrhundert war bekanntermaßen eine der erfolgreichsten Perioden für die Produktion niederländischer Kunst.

Stillleben-Gemälde gehörten zu den aufstrebenden Genres und wurden schnell zu einer beliebten Option auf dem Kunstmarkt sowohl für wohlhabende als auch für bürgerliche Käufer. Auch Stillleben-Gemälde entsprachen den Idealen der Reformation, da sie keine menschlichen Figuren, sondern Gegenstände darstellten, die auf religiöse und moralische Botschaften hinweisen sollten. Da die niederländischen Vanitas-Stillleben auch über die Grenzen der Republik hinaus sehr beliebt und begehrt wurden, sind die flämischen Vanitas von ihrem niederländischen Gegenstück inspiriert, obwohl sie in ihren Kompositionen manchmal einen gewissen katholischen Einfluss bewahren.

Cornelis Norbertus Gysbrechts (ca. 1630–1684), manchmal auch Gijsbrechts geschrieben, ist ein hervorragendes Beispiel für einen flämischen Vanitas-Maler, dessen Werke von den Kunden beeinflusst wurden, die er im Laufe seiner Karriere hatte. Cornelis wurde um 1630 in Antwerpen geboren und entwickelte sich zu einem der bedeutendsten Stilllebenmaler, der in seinen Gemälden häufig das Thema Vanitas aufgriff. Er arbeitete in verschiedenen europäischen Städten wie Regensburg, Hamburg und Kopenhagen.

Sein berühmtester Gönner war kein geringerer als der König von Dänemark-Norwegen, der seinen Hof in Kopenhagen hatte. Nachdem er dort Hofmaler eines lutherischen Königs geworden war, ähnelten seine Stilllebengemälde stark den regulären niederländischen Vanitasgemälden, die, wie bereits erwähnt, visuell von der Reformation beeinflusst waren. Bei ihm wird deutlich, dass die Vorlieben bzw. die religiöse Ausrichtung des Auftraggebers eine entscheidende Rolle im künstlerischen Schaffen des Künstlers spielten.

Darüber hinaus zeichnete sich Cornelis auch als Künstler durch die umfassende Verwendung der Trompe-l'oeil-Technik aus. Diese Technik beinhaltete eine hyperrealistische Darstellung von Objekten, um das Auge des Betrachters durch optische Täuschungen zu täuschen und zu glauben, dass das Gemälde ein reales Element enthält. Es war üblich, ein Fenster so realistisch darzustellen, dass der Betrachter glauben konnte, es sei tatsächlich real. Das Gleiche gilt auch für andere Objekte oder Einstellungen.

Neben anderen Malthemen erfreuten sich Vanitas-Stillleben sowohl bei Kunden als auch bei Künstlern großer Beliebtheit. Der Wohlstand des Genres lässt sich daran erkennen, wie Cornelis‘ Sohn am Hof ​​von Dänemark-Norwegen in die Fußstapfen seines Vaters trat. Dies allein zeugt von der Nachfrage nach dieser Art von Malerei, insbesondere bei wohlhabenden Kunden, die es sich leisten konnten, mehrere Arten von Werken zu sammeln und eine vielfältige Kunstsammlung aufzubauen.

Francis Gysbrechts (1649– nach 1677) war ein flämischer Maler, der Sohn von Cornelis Gysbrechts, und war vor allem für seine Stilllebengemälde bekannt, die oft das Vanitas-Thema verwendeten. Sein Vater hat ihn wahrscheinlich ausgebildet, da sein Stil dem seines Vaters ähnelt. Obwohl er in Antwerpen geboren wurde, arbeitete und lebte er in Kopenhagen und war während seines Erwachsenenlebens als Hofmaler tätig.

Ebenso wie sein Vater nutzte Franziskus die Trompe-l'oeil-Technik, um verschiedene optische Täuschungen in seine Gemälde einzubauen. Obwohl Francis in seinen flämischen Vanitas-Gemälden nicht die Technik zum Malen hyperrealistischer Fenster verwendete, entschied er sich für die Darstellung von Briefbündeln, offenen kleinen Holztüren aus Wandschränken und anderen ähnlichen Objekten. Er und sein Vater entfernten sich damit etwas weiter von der traditionellen Darstellung von Vanitas-Gemälden, die normalerweise Objekte wie Schädel, Kerzen und Musikinstrumente hervorheben, die auf einem Tisch in einem schwach beleuchteten Raum platziert sind.

Niederländische Vanitas-Gemälde erfreuten sich in Form von Stillleben großer Beliebtheit. Dies lässt sich an berühmten Malern des 17. Jahrhunderts wie Pieter Claesz erkennen. (ca. 1597-1660) oder Willem Claesz. Heda (ca. 1593-1682). Beide Maler trugen wesentlich zur Popularisierung der Tafelbilder bei, einem Stil, bei dem verschiedene Arten von Speisen wie ein Abendessen auf einem Tisch arrangiert wurden, jedoch ohne menschliche Anwesenheit, was zuweilen Vanitas-Charakter hatte. Einige der Gemälde der beiden Künstler, die beide in Haarlem arbeiteten, zeigen ganz direkt einen Totenkopf, der an die Sterblichkeit erinnern soll, während andere Gemälde einfach verdorbenes Essen verwenden, um die Vergänglichkeit aller Lebewesen zu symbolisieren.

Da beide Maler in derselben Stadt arbeiteten und der Lukas-Malergilde angehörten, ist es sehr wahrscheinlich, dass sie sich kannten. Ihre Sujets sind sich sehr ähnlich und beide verwenden eine dreieckige Komposition, um ihre Essensstücke hervorzuheben. In einem eher dunklen Raum nutzen die beiden das kleine Licht, das sie in der Komposition darstellen, hervorragend aus, um ihren Bildern einen stimmungsvollen und verführerischen Look zu verleihen. Der Betrachter wird sofort von den vielen auf dem Tisch platzierten Speisen und Gegenständen angezogen, um sie genau zu beobachten und über ihre Zusammensetzung und Bedeutung zu meditieren. Die Gemälde bieten ihren Betrachtern somit die perfekte Gelegenheit, über die Existenz und das Leben selbst zu meditieren.

Als Künstler dieser Zeit ist David Bailly (1584-1657) zu nennen. Er war der Sohn von Peter Bailly, einem flämischen Einwanderer und Künstler, der in die Universitätsstadt Leiden in der niederländischen Republik zog. David studierte bei seinem Vater sowie bei Cornelis van der Voort und dem Kupferstecher Jacob de Gheyn und erhielt so eine fundierte künstlerische Ausbildung.

Zur Weiterentwicklung seiner Fähigkeiten bereiste er auch Teile Deutschlands und Italiens und lernte dort die Künstlerszene kennen. Nach seiner Rückkehr arbeitete er hauptsächlich in Leiden für niederländische und ausländische Auftraggeber, beispielsweise für deutsche Fürsten, die ihn mit Porträts oder historischen Szenen beauftragten. Neben diesen Aufträgen ist er heute auch als Maler von Stillleben und Vanitas-Gemälden bekannt.

Von seinen bekannten Werken erregten die Vanitas-Gemälde aufgrund ihrer ungewöhnlichen und geheimnisvollen Natur das größte Interesse. Sein wohl berühmtestes Vanitas-Werk ist das Vanitas-Stillleben mit einem Selbstporträt des Malers, ein Gemälde, das im Laufe der Jahre viele Fragen aufwarf. Es war beispielsweise unklar, ob es sich wirklich um ein Selbstporträt handelte oder nicht, da das Gemälde zwei Porträts enthält: eines eines jungen Mannes und eines eines älteren Mannes, wobei letzteres als Selbstporträt des Malers identifiziert wurde. Einige Historiker glaubten, dass der junge Mann mit David verwandt sei, während andere dachten, es handele sich um sein Selbstporträt. Aber warum sollte man dann ein Gemälde mit zwei Selbstporträts gleichzeitig haben? Glücklicherweise stellte sich heraus, dass es sich bei den beiden Männern um Bailly handelte. Es wird spekuliert, dass die Absicht darin bestand, die Vanitas-Botschaft zu veranschaulichen, das Vergehen der Zeit, während ein junger Bailly sein zukünftiges altes Ich festhält.

Die niederländische Vanitas und das flämische Vanitas-Genre gehen weit über die genannten Maler hinaus. Wie man sieht, sind viele der als „niederländisch“ eingestuften Maler tatsächlich selbst Einwanderer oder Kinder flämischer Einwanderer, sodass die Unterscheidung zwischen Niederländisch und Flämisch in diesem Zusammenhang sorgfältig geprüft werden muss. Es ist nicht unbedingt die Herkunft des Malers, die diese Kategorie begründet, sondern vielmehr die Tradition und der Einfluss, unter dem die Gemälde entstanden sind.

Wenn Vanitas-Stillleben unter katholischem Einfluss und auf flämischem Gebiet entstanden sind, ist es wahrscheinlicher, dass sie flämisch sind. Wenn die Gemälde hingegen von einem flämischen Maler unter dem Einfluss der protestantischen Reformation angefertigt wurden, bei dem der Maler möglicherweise auch ein Einwanderer war, ist es wahrscheinlicher, dass die Gemälde als Teil der niederländischen Vanitas betrachtet werden.

Andere Vanitas-Künstler, die Aufmerksamkeit verdienen, sind Harmen Steenwyck (1612–1656), Jan Davidsz de Heem (1606–1684) und Abraham van Beyeren (ca. 1620–1690), die dazu beitrugen, dieses Genre sowohl innerhalb als auch außerhalb der Grenzen des Landes bekannt zu machen Niederländische Republik.

Die flämischen Künstler, die ebenfalls große Beiträge leisteten, obwohl einige von ihnen nicht in erster Linie für ihre Vanitas-Gemälde bekannt sind, sind Peter Paul Rubens (1577–1640), Jacob Jordaens (1593–1678), Adriaen van Utrecht (1599–1652), Jan Brueghel der Ältere (1568–1625) und Osias Beert (ca. 1580–1624).

Während einige Künstler beim Vanitas-Stillleben einen experimentellen Ansatz verfolgten, blieben andere bei einer traditionellen Darstellung. Dennoch trugen ihre Werke dazu bei, dieses künstlerische Thema zu festigen, das sich durch die Jahrhunderte bis heute zieht.